Musica dal mondo

Ho una sfida per voi: aprite la vostra libreria musicale e contate quante lingue diverse appaiono tra i vostri brani più ascoltati. Scommetto che la maggior parte di voi ne troverà principalmente due, italiano e inglese, o forse tre se aggiungiamo le occasionali hit spagnole e latinoamericane che ci accompagnano tutte le estati.

Eppure, non siamo tutti amanti dei viaggi e del mondo? Non passiamo gran parte del nostro tempo a sognare mete lontane e, per i più fortunati, a organizzare viaggi per visitarle davvero? E allora perché ci interessiamo tanto ai monumenti, alla natura e alle tradizioni culinarie di paesi così diversi dal nostro, ma non esploriamo attraverso mezzi molto più economici e facilmente fruibili, come la musica?

Grazie ai servizi di streaming disponibili al giorno d’oggi, sarebbe molto facile viaggiare il mondo attraverso la musica, rimanendo comodi sul proprio divano, con il portafoglio che non piange perché bastano i pochi euro dell’abbonamento mensile e non servono investimenti per voli intercontinentali.

Trovo che viaggiare attraverso i prodotti culturali di altri paesi sia tanto arricchente quanto viaggiare fisicamente verso tali paesi e anzi, forse a volte è ancora più significativo, perché il solo trovarsi di persona in un certo luogo non ne garantisce la comprensione: molti viaggiatori rischiano di cadere nelle trappole turistiche, di vedere solo quello che già si conosceva di un certo paese, di non imparare nulla e di non venire a contatto con nessuna persona del luogo. Al contrario, impegnarsi attivamente per venire a contatto con altre culture, senza aspettare che esse ci cadano addosso in occasione di un viaggio, indica tanta apertura mentale e voglia di capire il mondo, perché non limitiamo questa apertura ai momenti in cui ci troviamo all’estero, ma cerchiamo di sfruttare ogni mezzo a nostra disposizione.

Anche per questo, prima di un nuovo viaggio cerco sempre di leggere almeno un libro scritto da un autore di quel paese e di ascoltare almeno qualche canzone provenienti da lì. Naturalmente non pretendo di comprendere una cultura solo attraverso una superficiale ricerca Google che mi consigli gli autori e i cantanti più famosi di un certo paese, ma sono convinta che i prodotti culturali siano rappresentazioni profonde e importantissime della popolazione che li crea e credo fermamente che, se tutti fossimo un po’ più “cosmopoliti” nella nostra scelta di libri e musica, pian piano riusciremmo a sentirci tutti più vicini, a smettere di vedere gli altri come altri, come diversi, ma piuttosto come persone che rappresentano una normalità alternativa alla nostra, ma pur sempre una normalità.

Un’idea molto semplice è quella di utilizzare Shazam quando vi trovate all’estero e vi capita di sentire musica che non vi è famigliare, ma purtroppo non si può passare la vita viaggiando alla ricerca di brani da far riconoscere a Siri. Come fare, allora, per scoprire musica di paesi lontani, in lingue che spesso non capiamo, di interpreti che non conosciamo? Siamo qui per aiutarvi, con qualche consiglio su come farsi largo tra l’infinità di brani che affollano i servizi di streaming più famosi.

  • Le classifiche di Spotify e Apple Music:

Spotify e Apple Music ci semplificano la vita e creano automaticamente playlist che raccolgono i brani più virali in tantissimi paesi. Per Spotify, basta andare su Naviga > Classifiche > Top 50 per paese / Viral 50 per paese, e per Apple Music su Scopri > La Top 100 del giorno, per poi scegliere il paese che più vi ispira. 
Vantaggi: è super intuitivo e richiede pochissimo sforzo.
Svantaggi: spesso queste classifiche contengono anche canzoni già conosciute, che sono famose nel paese in questione ma provengono dai soliti giganti dell’industria musicale, gli USA e il Regno Unito.

  • Ricerca su Google:

Certo, è un consiglio banale, ma Google è una fonte incredibilmente ricca di informazioni che dobbiamo ricordarci di sfruttare al meglio. Spesso, sulle pagine Wikipedia dei paesi è presente la categoria Cultura > Musica: da qui potete prendere spunto per termini più specifici da impiegare nella vostra ricerca su Google. Ad esempio, per il Giappone vengono menzioni il j-pop e il j-rock, mentre per l’Ecuador saltano agli occhi vari nomi di generi tradizionali, come il pasillo. Utilizzando queste parole in una ricerca online, i risultati saranno sicuramente più precisi rispetto a una generica ricerca di “musica giapponese” o “musica ecuadoregna”.
Vantaggi: più incentrato sul singolo paese, risultati più ampi.
Svantaggi: i risultati potrebbero essere troppo ampi e quindi diventare confusi e scoraggianti.

  • Le playlist specifiche:

Sempre grazie ai maggiori servizi di streaming è possibile accedere a tantissime playlist create da altri utenti, i quali sono probabilmente più esperti di noi riguardo al genere scelto. Utilizzando quindi un metodo misto tra i consigli 1 e 2, potreste cercare su Google alcune parole chiave, da utilizzare poi in una ricerca su Spotify e Apple Music. Spesso, poi, queste playlist non sono semplicemente una raccolta di brani di successo, ma sono dedicate a un genere preciso, ad esempio il pop tedesco, il rock brasiliano… quindi, se riuscirete a trovare un genere che vi appassiona, sarà più semplice scoprire immediatamente tanti artisti che vi appartengono, evitando così di dover premere skip ogni due o tre canzoni.

Un mio consiglio personale è anche quello di seguire Iperborea su Spotify, l’account della casa editrice responsabile della collana The Passenger: ognuna delle pubblicazioni di questa collana è dedicata a un paese specifico e, in corrispondenza dell’uscita dei volumi, vengono anche create playlist dedicate alla musica di quei paesi, curate da esperti che sapranno sicuramente scegliere i brani più rappresentativi e importanti di ogni tradizione musicale.

In attesa del prossimo pezzo di Musica dal mondo, con qualche consiglio di album tratti dalle nostre playlist personali, cercate di mettere in pratica questi utili consigli, viaggiate con la mente e, magari, cercate anche di imparare qualche nuova lingua 😉

La sindrome del giorno dopo| Recensione EP

La sindrome del giorno dopo, il nuovo EP di Tota, non poteva capitare in un momento storico più azzeccato.

“La sindrome del giorno dopo credo sia letteralmente la paura del giorno seguente, una paura che si condensa in modo estremamente potente durante la notte. […] La notte è l’unico momento in cui il tempo si ferma, rimane immobile fino all’arrivo del sonno“.
Lo stesso Tommaso definisce con queste parole il suo disco e se ci fermiamo un attimo a riflettere, possiamo trovare un’analogia con la situazione in cui ci troviamo in questo momento: paura, incertezza e immobilità sono le padrone delle nostre giornate.

L’EP è composto da cinque brani che raccontano cinque storie diverse, le quali però prendono e accompagnano l’ascoltatore in un unico viaggio attraverso i propri pensieri, che finiscono per combaciare con quelli dell’artista.

Con questo sound rilassato e rilassante, fatto principalmente di batteria riverberata, chitarre elettrica e acustica e un leggero basso, Tota è la colonna sonora perfetta per queste serate di isolamento e solitudine, dove anche noi come lui finiamo spesso per arrenderci ai nostri pensieri più profondi.

I brani si intersecano perfettamente l’uno con l’altro creando un susseguirsi armonico di suoni ed emozioni che lascia spazio a due possibilità: farsi trasportare dalle storie di Tommaso o perdersi nel flusso delle proprie.

Per chi non fosse già familiare con la sua figura artistica: Tota è il nome d’arte di Tommaso Tota, nato a Orvieto e trasferitosi prima a Bologna e poi a Milano.
Esordisce nel 2017 con Cielocasa e inizia a farsi strada nel mondo del live aprendo i concerti di Gazzelle, Carl Brave, Franco126 e Galeffi.
A settembre 2018 esce il singolo Oggi non mi importa niente che precede insieme ad altri due estratti l’album Senzacera, il suo primo album in studio con l’etichetta Grifo Dischi.

L’EP La sindrome del giorno dopo è disponibile dal 6 marzo su tutte le piattaforme di streaming e mette in evidenza un forte cambio estetico da parte dell’artista.
Tutti i brani sono stati scritti e composti da Tommaso Tota e prodotti da Filippo Slaviero, che ha curato anche mix e master.

Potete ascoltare l’EP completo qui e dedicarvi venti minuti di sana e tranquilla immersione nei vostri più intimi pensieri, o semplicemente ascoltare rassicurante voce di Tota.

Giorgia

ROCKOL E L’INIZIATIVA #IOSUONODACASA | DI COSA SI TRATTA

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Crediti immagine: Rockol.it

Due giorni fa Rockol.it, appoggiato da Allmusicitalia, ha avanzato la proposta di creare un coordinamento fra tutti gli artisti che siano intenzionati o disponibili a tenere un concerto suonando da casa loro, o dal loro studio, e diffondendolo via social. Creare qualcosa tutti insieme significa avere molta più pubblicità e arrivare ad un pubblico molto più ampio rispetto alle singole iniziative che stanno prendendo piede sul web.

L’intenzione di questo progetto è quella di costituire un vero e proprio cartellone, un programma di concerti quotidiani programmati almeno fino al 3 aprile, che riesca per quanto possibile, a “sostituire” i concerti dal vivo che sono stati sospesi o rinviati a causa dell’epidemia di Coronavirus. Ma la ragione principale è che questi concerti, che saranno naturalmente gratuiti, possono essere anche l’occasione per una raccolta di fondi a beneficio degli ospedali italiani impegnati nell’assistenza ai colpiti dal virus: servono attrezzature, macchinari, personale, e ogni sostegno economico è utilissimo.

L’auspicio di Rockol è che ”attraverso un’associazione del settore discografico, o meglio ancora più associazioni di settore unite, si ottenga l’attivazione di un numero telefonico che permetta le donazioni via sms o via telefonata; un numero telefonico che rimarrebbe in sovrimpressione per tutta la durata di ognuno dei concerti “da casa” degli artisti che aderiranno all’iniziativa.”

Noi, da blog musicale, ci teniamo ad appoggiare l’iniziativa di Rockol.it e dare tutto il nostro sostegno perchè crediamo che la musica possa aiutare ancora di più in momenti difficili come questo che stiamo vivendo.

Vi lasciamo il calendario delle performance aggiornato ad oggi mercoledì 11 Marzo e cercheremo di tenervi aggiornati anche sulle prossime!

Gli appuntamenti in diretta su Instagram:

Mercoledì 11 Marzo

ore 20: Modà

ore 21: Nek

Giovedì 12 Marzo

ore 16: Gianna Nannini

ore 18: Gigi D’Alessio

Venerdì 13 Marzo

ore 18: Enrico Nigiotti

ore 21: Marco Masini

 

I DISCHI DA RECUPERARE IN QUARANTENA | #IORESTOACASA

Quarantena forzata? Niente panico, ci sono un sacco di cose che si possono fare a casa per passare il tempo e per aiutarci in questo momento poco fortunato delle nostre vite! Noi ad esempio vi proponiamo alcuni dei nostri dischi preferiti che secondo noi possono aiutarvi a distogliere per qualche ora la mente dal panico generato dall’emergenza Covid-19!

La Vita VeramenteFulminacci 

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Filippo Uttinacci, in arte Fulminacci, classe 1997. Cantautore romano e forse l’unica vera scoperta del nuovo ITPOP.  A proposito del suo disco dice: ”La vita veramente è un disco pieno di me e questa è sicuramente la cosa più bella. Lo considero un album estremamente vario, quasi schizofrenico nella sua proposta stilistica, ma nonostante questo nessun brano risulta figlio unico, ha una coerenza tutta sua e rispecchia la mia voglia di sperimentare e di non fermarmi mai, neanche quando sono soddisfatto. Parlo di amori e rincorse, di tangenziali e gite, tradimenti e caffè, sigarette, ascensori e semafori, insomma parlo della vita, veramente.”

Canzone preferita: La soglia dell’attenzione.

Fine LineHarry Styles

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Fine Line è il secondo album in studio del cantante britannico Harry Styles. Disco pieno di citazioni, dai Queen a David Bowie, con un sound che va dal britpop al folk – rock.

Canzoni preferite: Adore You, Falling, Sunflower, Vol.6.

LoverTaylor Swift

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Settimo lavoro in studio per Taylor, Lover è un disco pieno di emozioni e di amore che racconta di una donna che è riuscita a trovare finalmente un po’ di serenità in un mondo che ultimamente le aveva dato del filo da torcere.

Canzoni preferite: Death By A Thousand CutsAfterglow.

Magmamemoria MMXX (Deluxe Edition) – Levante 

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Quarto album in studio, Magmamemoria è un disco sulla memoria, sul non poterla mai cancellare completamente dalle nostre vite, su qualcosa che alla fine torna sempre a galla.

Canzone preferita: Saturno.

DNAGhali

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DNA è il secondo disco di Ghali e il suo sound inizia a discostarsi un po’ da quello che era stato l’esordio trap del rapper, senza mai però abbandonare le sue radici.

Canzoni preferite: DNA, 22:22.

Happiness BeginsJonas Brothers

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Ritorno in grande stile per i Jonas Brothers! Ok, niente a che vedere con i vecchi album e con il loro sound, ma dobbiamo ammettere che anche questo si difende bene!

Canzone preferita: Hesitate.

E’ Sempre BelloCoez

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Devo ammettere che al primo ascolto non mi aveva entusiasmato tanto ai livelli dei vecchi dischi, ma facendoci un po’ l’orecchio e sentendolo live per la prima volta devo ammettere che anche questa volta Silvano ha quasi colpito nel segno.

Canzoni preferite: La tua canzone, Fuori di me.

Fuori Dall’Hype (Ringo Starr)Pinguini Tattici Nucleari

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Due anni dopo l’uscita dell’ultimo disco della band di Bergamo, arriva Fuori dall’Hype che li porta sul palco di Sanremo con Ringo Starr e i Pinguini Tattici Nucleari, che si erano guadagnati una piccola fetta di pubblico di nicchia, arrivano anche alle orecchie di chi ascolta solo musica mainstream.

Canzoni preferite: Ridere, Antartide.

Cip!Brunori Sas

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Quinto disco in studio che mischia influenze di Rino Gaetano, De Gregori e Dalla. Si passa da brani più emozionali a brani impegnati sul piano politico, uno dei tratti distintivi del cantautore calabrese.

Canzone preferita: Per due che come noi.

 

Non ci resta che augurarvi buon ascolto e farci sapere cosa ne pensate! 😉

 

Serena 

 

 

FILAGOSTO FESTIVAL 2019 | RECENSIONE

La scorsa settimana si è concluso il Filagosto Festival: sei giorni di musica in un paesino della provincia di Bergamo.

Per chi come me ha vissuto gran parte della propria vita in provincia, sa benissimo quanto questo tipo di eventi siano importanti per la vita sociale dei piccoli paesi: è quasi esclusivamente grazie a loro se d’estate la noia non ci distrugge prendendo definitivamente il sopravvento!

Il Filagosto è un festival interamente organizzato e gestito da volontari, ragazzi giovani accomunati dalla passione per la musica che nel 2003 hanno deciso di collaborare per creare qualcosa di davvero speciale. L’edizione di quest’anno è stata la prima in una nuova location e potremmo considerare questo spostamento come un’evoluzione, una crescita personale dello stesso festival e di coloro che lo organizzano: un altro obiettivo raggiunto insomma. Dico un altro perchè nel corso degli anni il Filagosto è stato un crescendo continuo, sia per il numero di partecipanti, che per le band ospitate e per il successo riscosso.

La Line-up degli headliner di quest’anno era composta da: Fast Animals and Slow Kids (che vengono da Perugia), Coma Cose, Busy Signal, Ministri, Giorgio Poi e Metal for Emergency, una serata benefica all’insegna della musica metal.

Mossa dai miei gusti personali, ho partecipato alla prima, quarta e quinta serata del festival.

Come vi avevo già anticipato nell’articolo-recensione del MiAmi Festival i FASK mi avevano fatta innamorare, motivo per cui non potevo assolutamente perdermeli. Questi ragazzi hanno sempre una carica incredibile e quella sera erano molto emozionati dal fatto di suonare al Filagosto: il festival li ospita da quasi 10 anni ed è stato molto importante per la loro carriera. In onore di questa relazione duratura, la band ha deciso di suonare un pezzo che non si sentiva live da molto tempo: Canzone per un abete parte II.

La nuova sorpresa di questo festival per me invece sono stati i Ministri. Non conoscevo la band prima di vederla quella sera live ma ne sono rimasta ugualmente molto colpita. Anche loro come i Fast Animals sono dei veterani del Filagosto e hanno più volte sottolineato la loro gratitudine verso questo festival e i volontari che lo organizzano. Mi sono piaciuti molto e anche non potendo partecipare attivamente al concerto non conoscendo i testi, mi sono divertita e anche questa volta sono tornata a casa con una nuova band da apprezzare.

Quella stessa sera c’è stata anche un’apparizione a sorpresa da parte di Riccardo Zanotti, il frontman dei Pinguini Tattici Nucleari che, dopo i Ministri, ha fatto un piccolo live acustico molto intimo ed emozionate sul secondo palco del festival. È stato invitato a cantare con lui anche Nelson, frontman dei Rovere, e i due hanno duettato sul singolo di punta della band Bolognese TADB, al quale hanno lavorato insieme.

Il Filagosto ha rappresentato fino ad ora la parte più interessante ed emozionante della mia estate senza vacanze e mi ha ricordato che a volte vivere in provincia non fa così schifo, soprattutto quando ci sono persone che organizzano eventi come questo in posti che per te sono raggiungibili in bicicletta.

Al prossimo anno Filagosto!

KAOS INDIA LIVE – VIDEO INTERVISTA

Tempo fa vi avevamo parlato di una band modenese, i KAOS INDIA, e lo scorso sabato 22 giugno siamo andate a Sassuolo, al Rometta Music Festival, per sentirli suonare dal vivo e scambiarci quattro chiacchiere così da farveli conoscere meglio.

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Crediti foto: Serena Casella

Non ci resta che augurarvi buona visione e buona lettura per chi fosse troppo pigro da aprire il video! 😉

Presentatevi.

FrancescoQuattro stronzi: i KAOS INDIA.

Com’è nato il nome KAOS INDIA?

MattiaKAOS viene un po’ dalla nostra visione di gruppo musicale: noi siamo prima di tutto amici, quattro persone che vogliono vivere il caos di questo mondo, caos che può essere anche positivo da cui possono nascere cose positive e di cui non bisogna avere paura. INDIA, invece, è il nome di un ostello che si trova tuttora a New Orleans in cui io mi fermai tanti anni fa, un viaggio in cui mi trovavo da solo. Viaggio che feci per crescere come essere umano e questa tappa in particolare fu quella che mi permise di iniziare a vivere positivamente il viaggio che stavo affrontando. Abbiamo deciso di utilizzare questo nome come buon auspicio.

Da quanto è che siete amici?

Siamo amici da una vita, già da prima di formare la band. Ognuno di noi aveva già altri progetti e ad un certo punto c’è stato un momento che ha dato vita a tutto: la laurea del chitarrista, di Francesco. Abbiamo fatto una jam session, alimentata da gin tonic e birrette, in un sotterraneo di un palazzo a Modena e in quel momento lì sono nati i KAOS INDIA.

Voi siete completamente fuori da quello che è l’indie italiano (se così si può chiamare) che va tanto di moda adesso. Cosa ne pensate di questa ondata di musica italiana e di quelle band che si distaccano da essa per non farsi etichettare?

È sicuramente una cosa positiva perché ha portato molti giovani ai concerti, tanta gente adesso scopre nuove band e vanno ai concerti. Noi siamo fuori e diciamo che ce ne siamo un po’ fatti una ragione. Ci sono molte copie, molti artisti che si sono lanciati in quel genere solo per poterne cavalcare l’onda. Unica cosa: secondo noi dovrebbe esserci più spazio per tutti. In questo momento nella musica italiana c’è molta esclusività ed è un atteggiamento sbagliato. Detto questo noi ascoltiamo molte band italiane e le rispettiamo.

Uno di questi artisti che vi piace particolarmente?

Vincenzo: nell’it-pop io dico Calcutta e Thegiornalisti.

Francesco: Motta.

Artisti internazionali a cui siete legati?

Arctic Monkeys, Kings of Leon, Oasis

All’estero come andate?

Molto bene! Abbiamo fatto delle date nell’est Europa (Serbia, Slovacchia, Polonia…) e ci siamo divertiti davvero molto.

Come nasce la vostra musica?

Noi suoniamo tantissimo in sala prove, facciamo tantissime prove in cui suoniamo insieme e cerchiamo di buttare giù nuove idee. Da lì poi nascono le strutture dei pezzi e spesso è Francesco che arriva in sala con delle idee nuove, poi ci sediamo insieme e buttiamo giù delle bozze di testo. In generale siamo molto precisi e lavoriamo tutti e quattro per tantissimo tempo su ogni brano.

Quanto ci avete messo a realizzare l’ultimo disco, Wave?

Un paio d’anni. Tra scrittura, registrazione e trovare un partner per farlo uscire. Quasi un anno solo per trovare il contatto con Universal per poi farlo uscire ed è stato davvero difficile.

Canzone dell’album a cui siete più legati?

Vincenzo: È dura perché va molto a momenti e personalità.

Mattia: Io sicuramente sono molto legato ad Half perché fa parte di quell’irrequietezza non solo del musicista, ma dell’animo umano, a quella ossessione e ricerca di una parte di noi stessi.

Modena cosa rappresenta per voi?

A Modena nasce tutto. È la città che amiamo, che alcune volte ci ha fatto anche soffrire, ma è sempre la nostra casa e in qualche modo anche la nebbia ha plasmato la nostra musica. È la nostra croce e la nostra delizia. È quel posto che quando sei adolescente ti sta stretto e poi dopo crescendo la rivaluti e inevitabilmente la ami.

Vincenzo:Io sono nato a Foggia, ma Modena la sento mia, ci sono tante cose e tante persone che mi fanno sentire a casa. È quasi un riparo.

Avete già iniziato a scrivere altro o siete fermi al momento?

Abbiamo già scritto metà album.

Tour?

Abbiamo diverse date, tra cui il Pistoia Blues domenica 7 luglio 2019 che è la più importante.

 

Serena

 

ARTLAB 19 | MILANO

Il 27 e il 28 giugno 2019, al BASE di Milano, ArtLab ha organizzato una serie di incontri e conferenze in ambito culturale dai temi più vari: dalla tecnologia alla sostenibilità, dalle startup ai programmi europei. 

Noi di MusicDistress, per ovvie ragioni, abbiamo partecipato all’incontro dal titolo Music Innovation. Feeding Future Business tenutosi la mattina del 28 giugno.

L’incontro è stato organizzato in uno degli spazi più recenti della struttura del BASE ed è stato presentato e moderato da Dino Lupelli, direttore generale del Linecheck Festival che si terrà a Milano dal 19 al 24 Novembre 2019. Subito dopo una breve presentazione di quelle che sono state fino ad oggi le fasi dell’industria musicale, Lupelli ha introdotto il nuovo concetto di Music Industry 4.0: una visione futuristica ma per niente lontana di quello che sarà l’industria della musica nei prossimi anni. Lupelli prevede la creazione di una “vertically integrated industry”, nella quale il fenomeno del cross-over tra la musica e altre attività (come il turismo ad esempio) sarà sempre più preponderante. 

Sempre parlando di ciò che sarà l’industria musicale nel futuro, sono intervenuti anche Oriol Pastor, direttore del MIRA Festival di Barcellona e Turo Pekari da Helsinki, Senior Advisor, Innovation and Discovery di Teosto. I due hanno esposto le loro visioni di quella che è la situazione dell’industria musicale oggi e di come secondo loro si evolveranno le cose in una decina d’anni. La loro conclusione è stata che ci si sposterà sempre di più in un campo dominato dal cambio culturale come motore dell’evoluzione tecnologica e verso una situazione di democratizzazione della musica: uno scenario nel quale secondo Turomusic belongs to everyone“. 

In seguito, per dare un’idea concreta di ciò che sarà il futuro, quattro startup hanno presentato i loro progetti.

La prima startup a presentare il proprio progetto è Nuwa.

I ragazzi di Nuwa hanno sviluppato un software per la produzione di musica chiamato Tile, che sarà lanciato nel 2020. Tile è un cloud tool che permette di produrre musica in collaborazione con altre persone. Grazie appunto alla sua natura cloud è in grado di tenere traccia di tutti i cambiamenti e le modifiche apportate al progetto, rendendo in questo modo la modifica e il ripristino di eventuali bozze precedenti molto più semplice e immediato, nonché disponibile ovunque e in qualsiasi momento. Secondo le loro previsioni nel 2021 il software subirà un cambiamento, passando da single mode a community mode per arrivare poi al 2025 dove Tile sarà in grado di raggiungere tutta la community della music industry.

La seconda startup ha presentato il progetto di MuSa, un software specifico per imparare a suonare uno strumento musicale. Il software è stato pensato sia per computer che per mobile, principalmente per i bambini dai 6 ai 10 anni o per chiunque voglia imparare a suonare uno strumento da zero. MuSa è innovativo rispetto agli altri software di questo tipo già presenti sul mercato perché fonde la dimensione del learning con quella del gaming. Per utilizzare MuSa infatti, ci sarà bisogno di posizionare il dispositivo vicino allo strumento musicale fisico e una volta avviato il software si aprirà un mondo magico all’interno del quale per muoversi e superare gli ostacoli sarà necessario suonare la nota giusta sullo strumento vero e proprio. La verifica sarà possibile grazie a un sistema di live feedback e grazie alle basi teoriche e di insegnamento inserite nel programma dagli insegnati di musica che stanno collaborando al progetto.

La terza startup è aNote Music: il primo Stock Market europeo per le royalties musicali. L’obiettivo principale di questo progetto è quello di creare un collegamento più diretto tra il mondo degli investitori e l’industria musicale. Si vuole introdurre un nuovo modo di gestire i diritti musicali, rendendoli merce di scambio al fine di ottenere denaro da utilizzare per finanziare i propri progetti futuri.

L’ultima startup a presentare il suo progetto è Intorno Labs che si occupa di musica immersiva realizzata con tecnologia 3D. Per farci capire meglio di cosa si trattasse, Ludovico Vignaga, ci ha portati ne La Capsula, una musicROOM con pareti di vetro installata all’interno dello spazio in cui si è tenuto l’incontro. La stanza è rettangolare con al suo interno una serie di casse posizionate in diverse parti e in diversi modi all’interno dello spazio. Ludovico ha spiegato che tale disposizione non è standard, ma ogni spazio prevede un posizionamento delle casse diverso e pensato su misura. 

Successivamente, Ludovico ci ha mostrato un software attraverso il quale è possibile manipolare il suono decidendo quale percorso dovrà seguire. Una volta stabilito questo sul computer, il suono fuoriesce dalle casse seguendo tale percorso e creando intorno all’ascoltatore una situazione di completa immersione nella musica e nello spazio. Il suono può essere gestito per fare in modo che venga percepito in diversi modi: solo a destra, solo a sinistra, che gira intorno, che arriva dall’alto…

Ludovico ha poi spiegato che questa tecnologia è già stata utilizzata in diverse situazioni, sia all’interno di festival sia per installazioni sonore. Il futuro è l’utilizzo di tale tecnologia per concerti e all’interno di club, per creare un modo totalmente nuovo di percepire la musica. Lupelli ha anche sottolineato come questo tipo di tecnologia si potrebbe rivelare molto utile per chi organizza eventi poiché aiuterebbe a risolvere il problema dell’impatto acustico, riducendolo, e permetterebbe di creare situazioni all’interno dei club nelle quali è possibile ascoltare la musica ma anche chiacchierare e socializzare, una combinazione ad oggi non così scontata.

Noi personalmente siamo rimaste molto colpite da tutte queste idee e non vediamo l’ora di assistere e fare parte del futuro dell’industria musicale.

Giorgia

PASHMAK: EVOLUZIONE E SPERIMENTAZIONE

I Pashmak sono una band milanese composta da (da sinistra a destra) Antonio Polidoro, Giuliano Pascoe, Martin Nicastro e Damon Arabsolgar.

Siamo state nello studio di Antonio e abbiamo fatto un’interessante chiacchierata con Giuliano, tra un sorso di Coca Cola e l’altro.

Ciao Giuliano, parlaci di voi: chi sono i Pashmak?

I Pashmak si sono conosciuti al liceo classico Carducci di Milano. La formazione che vedete oggi non è quella originale: all’inizio, circa una decina di anni fa, eravamo solo io e Damon insieme a Stefano Grasso alla batteria e Stefano Fiori alla chitarra e dopo qualche anno si è aggiunto anche Martin. È arrivato poi un momento in cui eravamo in cerca di un batterista e quindi Antonio è entrato a fare parte del gruppo, registrando anche i nostri primi dischi.

Io personalmente all’interno della band ho svolto un percorso sempre in divenire: all’inizio ero il chitarrista; poi ho iniziato a suonare il basso e successivamente il sintetizzatore; successivamente ho iniziato a fare musica al computer e ora dal vivo suono le tastiere. Nel gruppo però al momento il mio ruolo è quello della produzione.

Fino ad ora siamo sempre stati indipendenti su tutti i fronti ma con l’ultimo disco siamo stati contattati da Manita Dischi: erano molto interessati al progetto e ci hanno offerto la spinta per scriverlo e pubblicarlo per la loro etichetta.

Da dove nasce il nome Pashmak?

Pashmak è una parola iraniana: significa “come la lana” e tra le tante cose è anche un tipo di zucchero filato fatto a mano. Durante delle prove in cantina a casa di Damon suo padre, che è iraniano, ce ne ha portato un po’ da assaggiare e abbiamo pensato che poteva essere un bel nome per la band. Ci piace il fatto che sia una cosa delicatissima fatta a mano che si può sciogliere da un momento all’altro

Fino ad ora avete pubblicato due album e un EP. So che è un po’ come chiedere se volete più bene a mamma o a papà ma: a quale lavoro siete più affezionati?

Abbiamo sempre avuto un approccio dinamico ai nostri lavori: ci piace sperimentare e ci piace il cambiamento.

Ora come ora sono personalmente molto legato all’ultimo disco perchè lavorarci ha rappresentato una vera e propria esperienza personale e perchè è stato il primo lavoro fatto nel nuovo studio. Però anche Indigo EP ha rappresentato un bel cambiamento nel modo di lavorare: è nato in camera mia quando stavo ancora dai miei prima di avere lo studio e tutto quando ed è stato il primo lavoro con un approccio consapevolmente professionale sia nella scrittura che nella produzione. Il primo album invece è stato il grande esperimento di partenza che comunque ha dato i suoi frutti

Hai detto che vi piace sperimentare e a mio parere il video di Harp ne è la prova: come vi è venuta l’idea?

L’idea in realtà è di Laura Samani, una regista di Trieste. Laura si è innamorata del progetto e ha voluto provare a farci un video. Era una sperimentazione anche per lei perchè non aveva mai girato un video musicale. Abbiamo fatto una sessione di brainstorming a partire da una sua idea e da lì è nato il concept per la storia che si vede nel video: una situazione molto adolescenziale, un rapporto molto stretto tra due ragazzi che mette in evidenza le zone grigie di quell’età.

La vostra musica vi ha dato la possibilità di viaggiare molto: raccontaci qualcosa sui tour che avete fatto fino ad ora.

Fino ad ora abbiamo sempre fatto tour all’estero perchè per una serie di motivi non siamo mai riusciti a girare molto in Italia. Con il primo tour siamo stati in Germania, a Berlino e Lipsia. L’anno dopo ci siamo allargati in tutta Europa con circa 15 date nelle principali capitali europee (Parigi, Londra, Praga, Cracovia, Amsterdam…)

Dopo queste date siamo entrati in contatto con un’agenzia che ci ha dato un aggancio per poter suonare anche nei Balcani: siamo stati in Kossovo, in Macedonia, posti davvero interessanti nei quali nessuno avrebbe mai pensato di suonare. Sempre grazie a questa agenzia abbiamo avuto la possibilità di suonare anche in Russia: abbiamo fatto un tour invernale di due settimane con circa 15 date anche in questo caso.

Il clima era abbastanza rigido (abbiamo toccato anche i -11gradi) e noi eravamo senza macchina e con gli strumenti a carico, per cui il treno era la nostra unica opzione per poterci spostare.  Uno dei viaggi più lunghi è stato quello da Saratov a Ekaterinburg: 45 ore consecutive con fermate sporadiche di 10 minuti circa ogni 10 ore. Il lato positivo è stato che per lo meno siamo potuti stare al caldo nelle nostre cuccette. Inoltre questo viaggio ci è stato molto d’aiuto per il fatto che la sera prima della partenza, Antonio si è lussato il ginocchio ballando nel pub dove avevamo appena finito di suonare. Il dottore gli aveva ordinato due giorni di totale riposo a letto e quindi l’essere tutti bloccati su un treno per 45 ore alla fine si è rivelato utile e ci ha permesso di portare a casa il tour.

Preferisci suonare nei club o nei festival?

Questa è una bella domanda! 

Da un punto di vista un po’ “nerd-tecnico” ti direi nei club: suonare in un ambiente chiuso con un’ acustica controllata e un bell’impianto mi piace tantissimo. Durante l’estate però i festival sono il massimo: la scorsa estate abbiamo suonato in Serbia in un festival in montagna alla base di un impianto sciistico con tutta la gente sulla collina, è stato stupendo. Un altro festival che ci è piaciuto molto è stato il BAUM Festival a Bologna. Potremmo dire che sono due cose che si completano, sono stagionali: i club  per l’inverno e i festival per l’estate.

Vo siete una band italiana che canta in inglese, come mai questa scelta?

Come tanti della nostra generazione, l’inglese è sempre stato il nostro punto di riferimento perchè abbiamo sempre ascoltato musica internazionale in inglese, per cui esprimerci in questa lingua ci viene più naturale. Soprattutto Damon che scrive tutti i testi ritiene più facile esprimersi in una lingue diversa ed è più soddisfatto del risultato.

Sappiamo bene che in Italia c’è molto ostracismo nei confronti delle band che cantano in inglese. Probabilmente noi abbiamo scelto anche il periodo storico sbagliato per fare questa scelta: l’abbiamo fatto nel momento in cui si è sviluppato quello che oggi è l’italpop, quell’indie con un’attitudine pop che sta andando fortissimo. Molti amici musicisti ci dicevano che avremmo dovuto fare cose in italiano perché è la lingua madre e perché in questo modo è più facile comunicare. Noi però siamo sempre stati dell’idea che se si inizia una cosa la si porta avanti con convinzione e siccome abbiamo iniziato cantando in inglese siamo rimasti su quella strada. Ritengo sia un po’ provinciale da parte dell’Italia cantare solo in italiano perché in questo modo si finisce a fare solo musica per l’Italia senza possibilità di allargarsi altrove.

Se non aveste cantato in inglese quindi, credi che non avreste mai avuto la possibilità di viaggiare così tanto come avete fatto fino ad oggi?

No, non sarebbe stato possibile. A parte in Russia forse perchè lì hanno una fissa incredibile per gli italiani: conoscono tutte le canzoni di Toto Cutugno, Celentano, Albano, anche i giovani. Ci facevano le feste ovunque, anche se di italiano tradizionale la nostra musica ha poco. Durante i nostri tour poi, abbiamo sempre suonato davanti a pubblico locale: non ci sarebbe piaciuto andare a Berlino, Londra o chissà dove per suonare davanti a italiani.

Nella presentazione con la quale hai aperto l’intervista hai detto che oltre a suonare nei Pashmak tu sei anche produttore, anche gli altri membri portano avanti progetti paralleli?

Lavoriamo tutti nella musica.

Antonio ha uno studio di registrazione dove produce dischi.

Io ho uno studio da Antonio e come lui produco.

Martin è un violinista diplomato al conservatorio e insegna violino. Ha anche un altro progetto parallelo che si chiama Clio & Maurice. È un progetto molto interessante basato su violino e voce. È in arrivo il disco.

Anche Damon segue altri progetti: scrive musica come primo impiego e ha un gruppo che si chiama Mombao che ha già pubblicato un EP, Emigrafe. Anche questo è un progetto molto interessante basato su sintetizzatori e batteria. Dal vivo realizzano uno show prevalentemente improvvisato e molto teatrale che prende ispirazione dal teatro giapponese: sono molto intensi.

Come gestite tutti i vostri progetti personali e la band?

Andiamo a periodi alterni, poi dipende da situazione a situazione. Per fare il disco, ad esempio, avevamo messo tutti delle cose in pausa per dedicarci al cento per cento solo a quello.

E ora cosa avete in programma?

Abbiamo ancora delle date a Roma e a Marina di Romea quest’estate, poi vedremo. Ora finiamo il tour e siamo concentrati su questo.

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Giorgia

ATLANTE: ALTERNATIVE ROCK ED EMOZIONI DA “ASSAPORARE LENTAMENTE”

Abbiamo fatto una bellissima chiacchierata con Claudio, Andrea e Stefano, in arte Atlante, una giovane band Torinese che fa musica con l’obiettivo principale di crescere costantemente e divertirsi.

Ciao ragazzi, parlateci di voi: chi siete, cosa fate, cosa suonate…

Innanzi tutto grazie per l’intervista, è un piacere poter rispondere alle vostre domande!

Noi Atlante siamo un trio che viene da Torino composto da Claudio alla chitarra e voce, Andrea al basso e cori e Stefano alla batteria e cori. Alla domanda “cosa suonate?” è difficile rispondere: in generale puntiamo a riprodurre sonorità viscerali che possano dare sfogo a più emozioni possibili sul palco, in sala prove e in studio. Potremmo dire che suoniamo alternative rock se proprio deve essere messa un’etichetta, ma la nostra musica, sopratutto quella nuova ancora in gestazione, sta prendendo molti risvolti differenti. Quindi chissà… ora è rock, in futuro si vedrà! L’importante è continuare a sudare entro il primo brano della scaletta, se no non ci divertiamo. 

Nel 2016 siete usciti su Youtube con il vostro primo singolo DICIANNOVE, cosa c’era prima di questo?

Prima di Diciannove semplicemente non c’era niente: è nato tutto dalla voglia di Claudio di arrangiare con qualcuno una manciata di brani scritti in Inghilterra durante un’estate oltremare. Ci siamo incontrati in sala prove e abbiamo alzato il volume, inizialmente con strumenti non nostri ma prestati da fratelli e amici. Dopo qualche prova ci siamo detti “Bene, forse è ora di registrare un brano il più economicamente possibile, buttarlo su internet e vedere cosa succede”. Ed ecco Diciannove sul Tubo. 

Quali sono i vostri modelli musicali di riferimento? Cercate di riprodurre alcune loro caratteristiche nelle vostre produzioni o cercate di sviluppare un sound e un’identità totalmente originali?

Sicuramente i Biffy Clyro sono stata la ragione per cui sono nati gli Atlante e sono spesso d’ispirazione sia in fase compositiva che in fase di registrazione. Ci piace l’attitudine che hanno sul palco, la grinta, le idee ritmiche e melodiche. Poi in realtà abbiamo diversi riferimenti che vanno dagli Arcane Roots ai Verdena, passando attraverso i Nadàr Solo e Niccolò Fabi, principalmente per quanto riguarda i testi. Nel corso del tempo però mutano gusti e attitudini: tutt’ora stanno cambiando molti aspetti della nostra musica e non ci piace rimanere inchiodati ad un’ idea.
Spesso andiamo insieme ai concerti e questo è di grande aiuto per alimentare l’ispirazione e l’alchimia del gruppo. 

A gennaio è uscito il vostro ultimo album, Un’entropia di immagini e pensieri, raccontateci un po’ come è nato e come è stato registrarlo. 

L’intero album è nato principalmente in sala prove da idee portate da Claudio e sviluppate successivamente tutti insieme. In studio poi abbiamo dedicato del tempo per completare gli arrangiamenti con altri musicisti e rendere il sound del disco il più completo possibile.
Si tratta di un disco che si rispecchia molto nel titolo, essendo esso stesso nato da un puzzle di idee, melodie istintive e stimoli musicali molto eterogenei. 

I testi delle canzoni trattano di temi molto diversi, alcuni più intimi e personali, altri più eterei e metaforici. Non c’è stato nessun concept nella composizione dei brani, né un filo logico preciso: semplicemente ogni canzone prendeva una strada a sé stante in sala prove. Insomma, un’entropia in tutto e per tutto.

I locali di Torino e di varie parti dell’Italia ormai vi ospitano da un po’ di anni, qual è la cosa che vi emoziona di più quando suonate live? 

Quando suoniamo live per noi è bello sentirci un gruppo, guardarci bene negli occhi prima di iniziare e poi via, ci si rincontra a lavoro finito. E’ sempre magico il tempo passato sul palco, anche quando il live va male o quando non c’è proprio un palco. Troviamo che sia un reale confronto con sé stessi e con gli altri, che davanti ci siano dieci persone o cento. 

Nell’ultimo anno, suonando più frequentemente fuori casa, abbiamo avuto anche la possibilità di conoscere persone bellissime che credono nella musica e che ce la mettono tutta, pur non suonando direttamente. È una cosa che ci affascina e ci dà la voglia di continuare a macinare chilometri. È un ambiente vivo, pieno di contatti umani. Per poter portare a casa una bella emozione, suonare non è l’unica cosa che conta quando si viaggia, anche il contesto è molto importante.

Dove vi vedete a suonare un giorno? Qual è il vostro obiettivo in fatto di venues?

Veramente non sapremmo, vogliamo tutti puntare al percorso e non alla meta. Senza fraintendimenti: vorremmo crescere per portare la nostra musica a più orecchie possibili, ma non è l’obbiettivo principale di chi suona per il gusto di farlo. Ci poniamo frequentemente il compito di creare qualcosa che ci piaccia e per cui valga le pena spendere tutto il tempo e la fatica di cui ha bisogno un progetto musicale come il nostro. Andiamo avanti a piccoli passi, è così da tre anni e ci piace. Assaporiamo tutto molto lentamente

E per quanto riguarda la discografia? Avete già qualcosa in programma che potete anticiparci?

Dopo l’uscita dell’ultimo album abbiamo avuto un momento di stallo che a tratti ha gravato non poco sull’autostima di alcuni di noi. Crediamo fosse dovuto principalmente alla paura di ripetersi e di non riuscire a superarsi. Quello è il momento in cui staccare, viaggiare, leggere, scoprire, pensare e poi riprendere in mano gli strumenti. Ora c’è del materiale molto interessante su cui stiamo lavorando, siamo soddisfatti della strada che stanno prendendo i nuovi brani. Obbiettivo principale: crescere, sempre.

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MALPELA: TRA IRONIA E FUMETTI

Abbiamo incontrato Gloria Mazzilli, in arte Malpela: una ragazza che canta, scrive ma non si definisce cantautrice. Ci ha parlato un po’ di lei; del suo progetto discografico Ernia al Disco al quale sta lavorando con Romina Dimo, Giulia Guareschi e Pietro Ubaldi e del progetto riguardante il merchandise sviluppato con Cristina Francesca.  

Ciao Gloria, parlaci un po’ di te

Mi chiamo Gloria Mazzilli e ho 24 anni. Vengo da Bareggio, un paesino in provincia di Milano immerso nel verde. Al momento sto frequentando un master in Editoria e produzione musicale a Milano.

Da quanto suoni? Perchè hai iniziato?

A 9 anni ho seguito per un anno un corso di chitarra ma mi sono stancata velocemente, così ho smesso. A 16 anni mia sorella mi ha regalato un ukulele e da lì ho ricominciato a suonare, facendomi tornare la voglia di riprendere in mano anche la chitarra. A 17 anni ho quindi ricominciato a strimpellare per conto mio senza seguire nessun corso, infatti non suono benissimo ma quello che mi basta per scrivere le canzoni.

Da dove nasce il nome d’arte Malpela?

Malpela deriva ovviamente dal Rosso Malpelo di Verga. Inizialmente nasce come uno scherzo: un’amica mi dice che su Instagram sarebbe carino se mi chiamassi Rossa Malpela, per via dei miei capelli rossi. Da qui la gente ha iniziato a chiamarmi in questo modo e siccome la cosa non mi dispiaceva ho deciso di farne il mio nome d’arte, anche perché è molto identificativo. Con Malpelo sento di avere in comune il fatto di essere venduti come cattivi, ma non esserlo veramente.

Puoi anticiparci qualcosa del nuovo album? 

Il nuovo album sarà un’ EP di 6 pezzi e si chiamerà Ernia al Disco per tre motivi:

Il primo è che ho effettivamente un’ernia al disco.

Il secondo è che questo problema fisico a mio parere potrebbe essere metaforicamente anche una patologia dell’ambiente musicale, un difetto che io personalmente ho riscontrato in questo ambito.

L’ultimo motivo è che Ernia al Disco è il titolo di una mia canzone, l’unica che non parla d’amore ma è appunto una sorta di critica all’ambiente musicale. Questa canzone non ci sarà nel disco ma volevo comunque fosse presente e quindi l’ho scelta come titolo dell’EP.

Lo stile che caratterizza tutto il lavoro è ricco di ironia e sarcasmo, le armi di cui mi avvalgo per raccontare quelle situazioni sentimentali che alla mia età sono difficili da spiegare ma anche e soprattutto per riderci sopra e non prendere la vita troppo seriamente.

Qualche indizio più specifico sulle canzoni?

Per quanto riguarda le canzoni vi posso dare tre anticipazioni:

La prima si intitola Murphy e parla delle sfortune che hanno caratterizzato il mio segno nel 2017, quello dei gemelli. L’ho scritta a partire da una riflessione: non mi sembrava possibile che solo io fossi così sfortunata e quindi in questa canzone do la colpa a qualcun altro. Un aneddoto divertente che riguarda Murphy è che è una canzone scritta sotto la doccia: avevo già l’armonia e la melodia della chitarra ma non riuscivo ad incastrarci il testo. Poi sotto la doccia ho iniziato a canticchiare e sono dovuta uscire mezza bagnata per scrivere l’idea su un foglio.

La seconda canzone si intitola Pattume ed è la prima effettivamente sensata che ho scritto. É nata nel 2017 in modo abbastanza strano: all’inizio avevo solo una strofa e il ritornello e poi un annetto fa le mie chitarriste Romina e Giulia mi hanno suggerito di scrivere anche la seconda parte. Parla della fine di una storia d’amore dove io paragono il mio corpo all’immondizia e raccomando l’altra persona di fare attenzione alla raccolta differenziata, indicandole dove buttare ogni parte di me. 

La terza canzone è Non finisco mai nien, canzone in cui è come se le mie due personalità si parlassero e una rimproverasse l’altra per il fatto che non riesce mai a finire niente. Allo stesso tempo l’altra personalità vuole impegnarsi a fare qualcosa per aiutare la prima personalità. È dedicata a me stessa ma volendo si può estendere anche a una terza persona.

Dove ti vedi tra 5 anni?

Spero di lavorare nella musica ma non vorrei mai che la mia velleità di scrivere canzoni diventi il mio lavoro. Non voglio diventare famosa, mi interessa parlare. Voglio lavorare nella musica ma dietro le quinte e continuare a coltivare questo mio hobby di scrittura.

Cosa significa la musica per te?

La musica per me è divertimento ed è per questo non scrivo mai testi tristi, lo faccio perché mi devo divertire.

Artisti di riferimento e che ti piacciono?

Gli artisti in cui mi rivedo di più in termini di stile di scrittura sono Margherita Vicario, cantautrice romana e attrice, e Galeffi. Mi piacciono molto anche Calcutta e Gazzelle. Invece, una canzone che quando l’ho sentita ho detto “questa avrei dovuto scriverla io” è Buona sfortuna de Lo stato sociale: si rifà molto al mio genere con il suo parlare di una cosa tristissima ma in modo divertente.

Descrivi il disco in 3 parole

Acustico, divertente, leggero.

Parlaci del progetto di merchandise che hai già sviluppato intorno al disco

Io e la mia amica illustratrice Cristina Francesca, abbiamo deciso di lavorare al disco insieme: io scrivo le canzoni insieme a Giulia, Romina e Pietro e Cristina si dedica alla parte delle illustrazioni, facendo di me un personaggio quasi fumettistico, buffo e da non prendere sul serio. Il filo conduttore del disco sono quindi io come personaggio e un filo vero e proprio che rappresenta l’amore.

Da questa idea è nato anche il merchandise che abbiamo deciso di vendere prima del disco sia per questioni tempistiche sia per iniziare a fare affezionare le persone alla mia immagine. Abbiamo realizzato delle magliette, delle spille e degli adesivi. 

I soldi ricavati dal merch mi permetteranno concretamente di realizzare il disco, insieme a quelli ricavati da un bellissimo regalo che mi hanno fatto i miei amici per la laurea: mi hanno regalato un barattolo chiamato per il tuo disco nel quale ognuno di loro ha contribuito come poteva. Questo barattolo già esisteva in casa mia e gli amici che entravano potevano mettere il loro contributo, che molto spesso erano caramelle. 

Da quel momento è nata l’idea vera e propria di fare un disco: prima era solo un “sì magari tra qualche anno lo farò” e invece ora sta arrivando!

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Giorgia